Miradas Cómplices constituye un laboratorio de ideas, de reflexiones fotográficas e imágenes que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

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miércoles, 30 de abril de 2014

Un momento, unas palabras reveladoras


He aprendido sólo a leer cuando viajo en un autobus o en un tren. Me he devorado libros de esa manera y, hoy en día, esa práctica ha sido tan constante que ya no puedo leer en casa y dejo todo ello para los atractivos momentos del devenir transitorio a través de un transporte.



Diseño y maquetación Tutti María Diaz


Justamente ayer volví a leer Las Babas del Diablo de Julio Cortázar y como no podía ser de otra manera,  lo devoré plácidamente en un tren a Barcelona y quiero compartir con ustedes un texto en la que Cortazar se refiere al acto fotográfico.
Dice lo siguiente: 


"Levanté la cámara, fingí estudiar un enfoque que no los incluía, y me quedé al acecho, seguro de que atraparía por fin el gesto revelador, la expresión que todo lo resume, la vida que el movimiento acompasa pero que una imagen rígida destruye al seccionar el tiempo, si no elegimos la imperceptible fracción esencial"

Unas horas después,  al llegar a casa, reflexioné mucho sobre esa frase, y mientras lo hacía me encontré con un video en You Tube que contenía la voz de Cortázar y algunas imágenes un tanto duras pero que las relacioné con esa imperceptible fracción esencial del acto fotográfico que tan bien describe el escritor en ese cuento.






Hasta el viernes!


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lunes, 28 de abril de 2014

Algunos consejos de Tony Ray-Jones

1968 © Tony Ray-Jones

A veces me parecen fotografías extraídas de un espectáculo de vodevil al estilo “Hermanos Marx”.

1968 © Tony Ray-Jones

 Otras veces, me sorprenden porque suelen contar varias historias en una sola imagen. Algo bastante difícil por cierto.

© Tony Ray-Jones

 En general, me siguen agradando ver sus fotografías porque siempre aprendo algo nuevo de la composición. Es algo que me llama mucho la atención porque no tengo una respuesta racional a ello. Tony Ray- Jones es como un estímulo de buena fotografía.


© Tony Ray-Jones

Muchas de sus imágenes destilan ciertas atmósferas surrealistas, de fino humor que tanto me interesa y que no pierden vitalidad a pesar de los años.


1967 © Tony Ray-Jones

 Y documentan claramente una época de una Inglaterra llena de personajes excéntricos y de vodevil como dije al principio.

© Tony Ray-Jones

Por eso siempre vuelvo a las fotografías de Ray-Jones. Además, lo admiro profundamente por su compromiso social y también por sus consejos como pueden apreciar en esta hoja extraída de un cuaderno de viaje que testimonian su auto exigencia como fotógrafo.



-         -  sé más agresivo
-          - involúcrate más (habla con la gente)
-        -   quédate con los sujetos (sé paciente)
-        -   toma fotos más sencillas
-        -   mira si todo lo que se encuentra en el fondo (de la foto) está relacionado con la materia
-        -   utiliza composiciones variadas
-        -   no hagas fotos aburridas
-         -   acércate más (utiliza el mismo objetivo o lente)
-         -  no hagas demasiadas fotos
-        -  no todo al nivel de los ojos
-       -    no a media distancia





Uno de los más fervientes admiradores de su trabajo: Martin Parr explicará mucho mejor que yo sobre su obra a través de este video que comparto con ustedes a continuación.




Hasta el miércoles!!



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viernes, 25 de abril de 2014

Los 50 años de un fotógrafo contracultural


La editorial Phaidon acaba de poner en venta un libro que condensa los 50 años comnprometido con la fotografía de uno de los protagonistas de la segunda mitad del siglo XX de la fotografía americana.
Me refiero a The Seventh Dog de Danny Lyon.


En este libro se podrán ver unas 200 fotografías que recorren el trabajo de este influyente y original fotógrafo americano desde que fotografió a principios de los '60 del siglo pasado,  el movimiento de los derechos civiles y luego la vida de los motoqueros de Chicago hasta nuestros días.

© Danny Lyon

Nueva York 2011 © Danny Lyon


Recordemos que a mediados de los ’60 del siglo pasado, Lyon era un fotógrafo emparentado con las ideas de los beatniks y la contracultura y con esa auténtica personalidad entró a Magnum y luego realizó uno de los trabajos que más se recuerdan de él:  el reportaje sobre la vida en las cárceles de los condenados a cadena perpetua en Texas.

Texas © Danny Lyon


Lyon expuso dos veces en España y lo hizo en ambos casos en Barcelona. La primera fue hace unos 20 años y la segunda expo, terminó hace muy poco en la galería de la Fundación Foto Colectania

Por último,  los dejo con un video donde el mismo Danny Lyon habla sobre sus 50 años en la fotografía y su nuevo libro.



Buen fin de semana!



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miércoles, 23 de abril de 2014

Un fotógrafo impresionista

2007 © Jeff Jacobson
Siempre me gusta volver a las fotografías de Jeff Jacobson
Sus imágenes tienen esa impronta visual tan mágica que no me aburren y me hacen retornar una y otra vez para saborear su exquisita composición entre intimista o impresionista y por el adecuado uso casi abstracto de ciertas luces de la realidad que lo circunda. Un verdadero estímulo para el que le gusta la buena fotografía.


© Jeff Jacobson

Para más datos, Jacobson fue uno de los pioneros del uso del color en la fotografía documental americana en los años '70 del siglo pasado, fue miembro de Magnum por poco tiempo (1978 - 1981) y publicó sólo tres libros y hay uno que me gusta mucho y se llama Melting Point (editado en el 2006).


Tapa de Melting Point


Quiero compartir un video que muestra las fotografías de este libro acompañadas de buena música. Feliz Sant Jordi para todos!!








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lunes, 21 de abril de 2014

El fotógrafo modernista de Brasil


La semana pasada publiqué un post sobre un fotógrafo catalán, Marcel Giró que hizo historia en la fotografía de Brasil y especialmente en la escuela paulista, una especie de Bauhaus al estilo brasilero .

La foto de tapa es de Thomaz Farkas

Esta escuela se agrupó en el Foto Cine Clube Bandeirante (FCCB) de Sao Paulo, entidad que tuvo su momento de esplendor en los años ’40 y ’50 del siglo pasado. Desde un principio, los fotógrafos del FCCB trataron de darle la espalda al pictorialismo muy de moda a principios de siglo. 
De esa manera, la fotografía brasilera entró en su fase modernista donde los fotógrafos de esta agrupación realizaron fotografías con una clara convicción de transformar los hechos cotidianos en extraordinarios, apelando a perspectivas audaces, claroscuros, juegos de líneas, siluetas y un especial gusto por la abstracción y la experimentación .
Parte de todo ese trabajo se puede ver en un libro publicado en el 20014: La Fotografía moderna de Brasil que reúne los trabajos de unos 80 fotógrafos y donde sobresalieron  Geraldo de Barros, Ademar Manarini, Rubens Scavone y especialmente Thomaz Farkas.

Rio de Janeiro © Thomaz Farkas

Sao Paulo 1950 © Thomaz Farkas

Siendo aún muy joven, Farkas (húngaro de nacimiento) entró en el FCCB y, a través de los debates y actividades de esta asociación paulista, descubrió las vanguardias europeas y norte americananas que buscaban nuevas estéticas para las fotos, nuevos encuadres y puntos de vista inusitados.

1950 © Thomaz Farkas

© Thomaz Farkas

De esa manera, Farkas desarrolló una carrera de más de 40 años: 34.000 fotografias que desde 2007 integran el acervo del Instituto Moreira Salles (Säo Paulo).

Belo Horizonte 1940 © Thomaz Farkas

Rio de Janeiro 1947 © Thomaz Farkas

Justamente este instituto publicó en el 2011 (año de su fallecimiento) un libro que reúne las mejores 130 fotografías del fotógrafo:  Antología Personal de Thomaz Farkaz.





Poco antes de su fallecimiento , fue entrevistado por la Casa de Cultura Digital de Sao Paulo ,  en donde, Farkas da su opinión personal sobre la fotografía documental brasilera.





Hasta el miércoles!!


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viernes, 18 de abril de 2014

On the road junto con Meyerowitz

Grecia 1967 © Joel Meyerowitz


Junto con su novia, dos cámaras Leica y 700 rollos de película, en 1966, Meyerowitz se embarcó en un “on the road” que lo llevaría por todo Europa incluyendo una larga estancia en el sur de Europa y Marruecos.


© Joel Meyerowitz

Fue durante ese “romántico” viaje que Meyerowitz  comenzó a sentirse un fotógrafo de verdad y donde decidió dedicarse toda su vida a la fotografía.
Justamente hoy se inaugura una expo suya con parte de esos trabajos en el Howard Greenberg Gallery de Nueva York .




La expo titulada My European Trip: Photographs from the car reúne unas 40 imágenes realizadas en diferentes lugares europeos.


© Joel Meyerowitz


“Fotografías desde el auto comprende mi primera obra conceptual - señala Meyerowitz -  Pensé en mi mismo como sentado dentro de una cámara en movimiento con ruedas y que la ventana era el marco que me mostró el desplazamiento continuo de los eventos que vuelan en el aire. Todos esos humildes instantes dejaron una belleza desgarradora en la película y en mi memoria”

© Joel Meyerowitz

Felices Pascuas para todos!
Nos vemos el lunes!



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miércoles, 16 de abril de 2014

Transformar las cosas corrientes en extraordinarias: Marcel Giró

Mientras en los ’50 del siglo pasado, en España destacaba el grupo Afal en medio de un desierto como era la fotografía durante la dictadura de Franco; en Brasil, lo hacía la Escuela Paulista a través de Foto Cine Clube Bandeirante.
Esta escuela sentó las bases de la modernidad de la fotografía brasilera y nació como una crítica al pictorialismo (reproducción de modelos de pintura clásica) con un gusto por la abstracción y la experimentación.


1967 © Marcelo Giró

En ese contexto, destacó un fotógrafo catalán, Marcelo Giró (1913 – 2011) que había decidido exiliarse a Brasil en 1937 cansado de los enfrentamientos entre las distintas facciones del ejército republicano durante la guerra civil.

1950 © Marcelo Giró

En Brasil se convirtió en uno de los más grandes fotógrafos. Y hasta tal punto, que el año pasado le realizaron una gran exposición retrospectiva en Sao Paulo.

1950 © Marcelo Giró

Y este año, desde el 10 de abril hasta el 18 de mayo, su ciudad natal, Badalona le hace un homenaje a su obra titulada: Marcelo Miró, fotógrafo. Transformar las cosas corrientes en extraordinarias.

Para ello, los dejo con un video donde podrán observar el día que se inauguró la expo en esta ciudad catalana.




Hasta el viernes!


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lunes, 14 de abril de 2014

El tiempo de las ciudades

NY 2011© Matthew Pillsbury

Durante los últimos años, el fotógrafo Matthew Pillsbury  comenzó a interesarse en como pasa el tiempo en las urbes contemporáneas.


NY 2011 © Matthew Pillsbury


Parte de ese extenso trabajo se pudo ver hasta hace un mes en una gran expo que montó Aperture en Nueva York. 





Y en sintonía con ello, la prestigiosa editorial neoyorquina publicó City Stages, un libro de grandes dimensiones que busca redimensionar como es debido las fotografías de Pillsbury en las 128 páginas del libro.


París 2008 © Matthew Pillsbury


Pillsburg trabajó principalmente en Nueva York con incursiones en París, Londres, Venecia y otros lugares con películas en blanco y negro, de medio formato y en muchos casos, utilizaba exposiciones largas para recrear el movimiento y el paso del tiempo en los espacios públicos.
También trabajó en espacios interiores.






“Para Pillsbury, el acto de ver parece funcionar como una actuación más allá de la vida que emerge en diversos espacios y tiempos” señala el escritor Karl Johnson.

Los dejo con un video donde el propio fotógrafo explica la génesis de su trabajo.




Hasta el miércoles!


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viernes, 11 de abril de 2014

México en la retina de dos grandes fotógrafos


La historia cuenta que dos grandes fotógrafos documentales coincidieron en un lugar y durante los mismos años. Uno,  estaba fascinado por la cultura y el otro experimentó amor a primera vista. Me estoy refiriendo a Paul Strand y Henri Cartier Bresson que coincidieron en México a principios de los años ’30 del siglo pasado.




Justamente ayer tuve en mis manos  el libro - catálogo que publicó Steidl que coincidió con la expo de hace dos años en  París. Me refiero a México 1932 – 1934.



El libro no tiene desperdicios. Sus 172 páginas recorren a través de ensayos y fotografías el itinerario que cada uno de los fotógrafos llevó por aquel país.

Paul Strand fue a México invitado por el gobierno y Cartier Bresson llegó con un equipo etnográfico de trabajo. 











Ahora los dejo con un video donde podrán apreciar parte de esa antológica exposición en las salas de la Fundación Henri Cartier Bresson en el 2012.





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miércoles, 9 de abril de 2014

Primera guerra mundial en 3D


El pasado fin de semana estuve en Logroño y fue muy productivo por varios motivos.
En primer lugar, impartí un taller de fotografía en las cómodas instalaciones de RiojaFoto. Y por otro lado,  tuve la suerte de conocer La Casa de la Imagen de la ciudad de la mano de Carlos Traspaderne, el responsable del archivo histórico del CDI.
Debo decirles que el paseo por sus instalaciones (estuve dos horas por lo menos) no tuvo desperdicios. 

La biblioteca y sala de lectura

Un privilegio recorrerlo ya que es uno de los centros fotográficos más completos y prestigiosos dentro de España que cuenta con una coqueta galería de exposiciones, un importante fondo de fotografía histórica y contemporánea, salas de reunión, plató , laboratorio, estudio de grabación de última generación y una amplia biblioteca.

Sala de producción digital del CDI

Y entre fotografías, cámaras de placas y libros, Traspaderne me contó una historia que resumiré en estas líneas.
Resulta que en el 2003, el fotoperiodista Pablo San Juan halló en un mercado de Tánger unas cajitas de 15 x 20 cm., unas 50 placas de vidrio con imágenes que mostraban antiguas escenas bélicas. Según pudo comprobar por lo que decía en las cajas, esos negativos fueron obtenidos con una cámara estereoscópica Verascope con la cual se obtienen imágenes en tres dimensiones ya que intentan imitar la visión binocular humana, mediante la utilización de dos objetivos que captan la fotografía en el mismo instante y luego con un aparato especial se pueden mirar las fotografías  como si estuvieran en 3D.




 San Juan vislumbró un tesoro allí, lo compró y se lo llevó a la gente del CDI para que investigaran.
Y efectivamente era un tesoro:  500 fotografías realizadas en la Primera Guerra Mundial. Sin embargo el autor era desconocido, aunque posiblemente sea un militar según las pesquisas realizadas por Traspaderne. “Este archivo es único porque da una visión completa de la guerra, desde todas las perspectivas, como nadie la dio. De aquella contienda tenemos una visión hecha con fotos sueltas, pero no la visión de alguien metido en esa historia como ocurrió con Capa en la segunda guerra. Este archivo es el único de la contienda del 14 que podríamos considerar de autor” señaló Traspaderne.
La CDI está actualmente elaborando un libro y efectuará exposiciones en Francia, Italia, EEUU, Australia y Nueva Zelanda con todo este material. Por lo pronto, los dejo con un video donde podrán observar parte del material y que, por medios digitales, simula el efecto 3D de las antiguas cámaras.




Hasta el viernes!




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lunes, 7 de abril de 2014

La vida convertida en un eterno viaje

Un libro, como un viaje, se empieza con inquietud y se termina con melancolía”

José Vasconcellos

Pasar gran parte de tu vida viajando hoy en día parece, desde mi humilde opinión, una excentricidad  y que pertenece, en mi imaginario,  al reino de las leyendas y mitos actuales. La idea del eterno viajero fue inventada en el Renacimiento y estaba asociada al comercio como bien se expresan las aventuras renacentistas de Marco Polo y los comerciantes de la antigua ruta de la seda. 
En estos tiempos,  la idea del "eterno nómade" está relacionada más con el turismo que con la idea del comercio de la antiguedad. Hoy en día, el viajero moderno se mueve entre libros, conferencias, esponsorizaciones y demás para transmitir a gente deseosa, la encantadora idea del eterno viaje, concepto que siempre ha maravillado y, debo reconocer que a mi también.

La idea eterna del viaje posiblemente sea una utopía. Pero verosímil desde algunos aspectos como verán en los siguientes ejemplos.

En enero publiqué una nota que hablaba sobre la familia Zapp que hace 11 años viajan por el mundo con sus hijos a cuestas. Viven de la sponsorización, publicación de libros, eventos y "pequeñas ayuditas de los amigos". 





Ahora me encuentro con Pablo Rey y Anna Callau que hace 14 años que viajan y han editado, en el camino, 3 libros de historias y aventuras.





Durante estos días, estarán ofreciendo charlas en Madrid, Barcelona y también en Girona (10 de abril en librería Ulyssus).  





Hasta el miércoles!



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viernes, 4 de abril de 2014

El arte de lo real y también de la meditación

A principios de los ’90 del siglo pasado,  Joel Meyerowitz y otros fotógrafos americanos, fervientes admiradores de la obra  de Edward Hopper,  se reunieron en Essen, Alemania para realizar una exposición colectiva en honor al gran pintor realista titulada: El arte de lo real. Y de paso debatir  y cotejar sus fotografías con los cuadros del artista con el objetivo de buscar diferencias y analogías de temas, composición y estética.


New York 1981 © Joel Meyerowitz

De esa manera, Meyerowitz, por ejemplo,  comparó  una fotografía suya con Once de la mañana (1941) de Hopper y llegó a la conclusión que ambos motivos visuales eran parecidos pero el tema era diferente. En su fotografía habían desaparecido las complicadas implicaciones que Hopper había añadido a su cuadro.

Once de la mañana. 1941 Edward Hopper


Sin embargo, “en esos momentos de calma – señala Meyerowitz – con el que la fotografía llena el tiempo cotidiano, se encuentra la coincidencia con Hopper”.
Todos los fotógrafos reunidos allí,  en el Museo Folkwang de Essen, coincidieron en afirmar que la gran diferencia era el carácter de la fotografía como hecho momentáneo y el de la pintura como un proceso. Así,  de esa manera, el ojo de Hopper se convierte en su visión interna, en la esencia de las fotografías.


© Richard Tuschman

Algo de todo lo que se habló aquella vez en Essen, llegó a los oídos del fotógrafo Richard Tuschman quien,  varios años después,  realizó un especial trabajo fotográfico titulado justamente: Hopper Meditaciones.

© Richard Tuschman

“ Mis fotos divergen de la pintura de Hopper – señala Tuschman- .  El estado de ánimo general en mi trabajo es más sombrío, y la iluminación es menos dura que en sus pinturas. Estoy tratando de conseguir un efecto tal vez más cerca de los claroscuros de Rembrandt, otro pintor que admiro mucho.

© Richard Tuschman






Este trabajo de Tuschman logró el tercer premio del prestigioso Lens Culture Exposure Awards 2013, elegidoentre más de 10.000 fotografías enviadas por fotógrafos de 62 países.











© Richard Tuschman
"Me gusta pensar  que la iluminación es otro personaje que no sólo ilumina la forma de las figuras, sino también hace eco y evoca su vida interior. Me gusta pensar en mis imágenes como dramas para un pequeño escenario".

© Richard Tuschman

 “Siempre me ha gustado la forma como pintaba Hopper  con una gran economía de medios - confiesa Tuschman-  pero que era capaz de hacer frente a cualquier misterio psicológico y las complejidades de la condición humana”.

Buen fin de semana!


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