Miradas Cómplices constituye un laboratorio de ideas, de reflexiones fotográficas e imágenes que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

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lunes, 30 de septiembre de 2013

The Pigs


El 20 de septiembre pasado, el fotógrafo de Magnum, Alec Soth dio a conocer en la Fundación Aperture de Nueva York,  los 10 libros seleccionados al premio al mejor libro de fotos del año que será anunciado durante el festival París Photo 2013 entre el 14 y 17 de noviembre en el Gran Palaiis en París.



Entre ellos, se encuentra The Pigs, del fotógrafo Carlos Spottorno

Portugal 2011 © Carlos Spottorno

España 2007 © Carlos Spottorno

Publicado por RM Verlag & Phree en julio del 2013 e impreso en Madrid; The Pigs, según palabras de Soth,” es un retrato devastador de la cultura meditterránea en su encrucijada”.


© Carlos Spottorno

En su web, Spottorno  cuenta que “Pigs es un término acuñado por la prensa económica y financiera como una manera de referirse a Portugal, Italia, Grecia y España durante su difícil situación financiera actual”. Luego esa etiqueta peyorativa fue utilizada por los medios de comunicación en general.

España 2012 © Carlos Spottorno

“He tratado de ilustrar los estereotipos . En otras palabras, lo que veríamos si fuéramos a traducir en imágenes los artículos que leemos en la prensa financiera. Así es como me imagino que los economistas nos ven” señala este fotógrafo ganador del Wordl Press Photo en el 2003.

Gracias 2012 © Carlos Spottorno


“El resultado es una colección de chichés, tanto verdaderas e incompletas. De la misma manera, una guía de viajes evita cuidadosamente cualquier cosa aparentemente poco atractivo, este libro muestra gran parte de lo que nosotros encontramos vergonzoso.”




Hasta el miércoles!!

viernes, 27 de septiembre de 2013

El fotógrafo de Dios

Hace unos días me compré una novela que, al principio me cautivó por su nombre: El fotógrafo de Dios (Editorial Norma, 2009).

Y luego de hojear las primeras páginas descubrí que la historia novelada en el libro tenía un gran parecido argumental con la vida de Sergio Larraín, el reconocido y misterioso fotógrafo chileno que alguna vez perteneció a Magnum y luego se hundió (o lo hundieron) en un insólito anonimato.
Así, entre sus hojas, descubro a Manuel Ritjman, el personaje central,  creado por la hábil pluma del escritor Marcelo Simonetti (Valparaíso, 1966),  y que representa a un fotógrafo solitario, sin familia y con una historia de tragedias familiares. De esa manera, Ritjman se embarca en la búsqueda de un tal Santiago Larrea (Sergio Larraín en la ficción).




Pasaje Bavestrello, Valparaíso 1952 © Sergio Larraín





“Quería escribir un libro de otro “desaparecido”: el físico italiano Ettore Majorana…..en medio de la investigación me quedé sin libro. En medio de la frustración se me apareció una foto de Larraín, la de las niñas que bajan por el Pasaje Bavestrello, donde yo viví de niño. Ahí me decidí a escribir la historia” comenta el autor  chileno que en el 2005 obtuvo el Premio Casa de las Américas por su primer novela: La Traición de Borges.




El argumento del libro es el siguente: resulta que Ritjman,  como si se tratara del mismísimo Sherlock Holmes, junto con su compañero Burt Rodriguez  buscan, por encargo de un coleccionista, una foto. Una imagen capturada por Larrea (Larraín) que supuestamente retrató a Dios.

Londres 1959 © Sergio Larraín

Sin embargo, el principal obstáculo es encontrar a Larrea. Nadie sabe dónde vive ya que le dio la espalda al mundo y se dedicó a la búsqueda espiritual.

Londres, 1959 © Sergio Larraín


El juego de ficción y no ficción tan presente en la novela, justamente es lo que me fascinó desde siempre de las fotografías de Larraín. Y en especial,  por una fotografía capturada en París (que aún no conozco) y del imprevisto que ocurre dentro del encuadre que hábilmente Julio Cortázar llevó a un cuento (Las Babas del Diablo) y, luego, Michelángelo Antonioni le puso imagen a través de un icono del pop fílmico: Blow Up.


Una novela que recomiendo para los seguidores de Larraín y por sus míticas historias.

miércoles, 25 de septiembre de 2013

El libro de los libros

Supongo que un libro que valga 2.000 € , que contenga 1.000 imágenes en 2302 páginas dividido en dos volúmenes y que sólo tenga un autor, es un raro privilegio que pocos fotógrafos en vida podrán contarles a sus nietos.
Ese libro en cuestión se llama The Book of Books. Y el dueño de este privilegio editorial: Stephen Shore.




The Book of Books vale ese precio exorbitante (que no lo quiero justificar) pero, según comenta la Editorial Phaidon, este gran libro publicado a fines del 2012, es una edición limitada de 250 ejemplares, cada uno de ellos está numerado y firmado por el mismísimo Shore.



 Además,  está presentado en un primoroso estuche de formato grande (casi cuadrado), tapa dura. Y lo más importante:  contiene los 83 libros de impresión bajo demanda que Shore realizó entre 2003 y 2008.




A través de esta impresión bajo demanda (POD Books),  Shore descubrió que había  un potencial creativo in crescendo. De esa manera, comenzó a realizar series de libros utilizando el servicio iPhoto de Apple con  una serie de fotos mostrando "un registro visual de sus actividades en un día particular” como señala Phaidon en su web. De esa manera, llegó a editar 83 pequeños libros.





Con el tiempo, Shore vislumbró la idea de hacer un gran libro con todo ello, y The New York Times consideró que ese trabajo de Shore era un acontecimiento de interés periodístico.  Además,  The Metropolitan Museum of Art  decidió comprar este conjunto de libros para su colección permanente.

Ejemplo del POD Book de Stephen Shore. 30 de noviembre 2005


El libro cuenta con un extensa bibliografía del autor y el prólogo está a cargo de Jeff Rossenhem, actual comisario del departamento de fotografía de The Metropolitan Museum of Art , en donde Shore había realizado una pionera  exposición de fotografías a color en 1971.


Ejemplo del POD Book de Stephen Shore. 13 de marzo de 2013

Recordemos que Shore fue uno de los principales impulsadores de la New American Color, un grupo de fotógrafos que exploraron los límites de la fotografía documental americana a través del uso del color y centraron sus trabajos en la vida contemporánea de los Estados Unidos y en la crítica del “sueño americano”.

1973 © Stephen Shore

Este movimiento americano abrió las puertas para los fotógrafos que trabajan en color desde Nan Goldin a Thomas Struth pasando de la Escuela de Düsseldord.

Bueno, dejemos que el propio Shore cuente un poco de que se trata todo esto de la tecnología de impresión de libros bajo demanda y, en especial,  de su nuevo libro que creo jamás podré comprar por razones obvias.



Hasta el viernes!!

lunes, 23 de septiembre de 2013

Banderas con luz propia

En la última Feria Internacional del Libro de Buenos Aires, la Casa Editora Abril presentó  un libro muy interesante realizado por un joven fotógrafo cubano cuyo ligazón visual discursivo es la bandera cubana.




© Kaloian Santos Cabrera

Según el prestigioso filósofo, ensayista cubano y prologista del libro Fernando Martínez Heredia, el autor “ combinó con maestría la imaginación y el oficio, esperó con paciencia su momento o sorprendió el instante que es irrepetible y estableció una relación personal con la bandera”.


© Kaloian Santos Cabrera

Santos Cabrera (graduado de la Universidad de Comunicación de La Habana) había realizado con éxito una muestra dentro de los festejos del 2009 de los 50 años de la Revolución Cubana. Y eso lo catapultó a la publicación de Con Luz Propia con esta editorial argentina.

© Kaloian Santos Cabrera


El libro nació “para homenajear al oficio y a los fotógrafos de los años 60. Ojo, no es un libro sobre la bandera cubana, sino sobre Cuba, con la bandera como hilo conductor” señala Santos Cabrera en una entrevista que le realizó Alma Mater.

© Kaloian Santos Cabrera

"Salí por el país de mochilero, con mi cámara y la idea de buscar esas banderas, y descubrí que la gente las tenía como algo sagrado. Quise captar lo íntimo como el que la tiene tatuada en el pecho, o el que la dibujó en su carretón en medio de Baracoa, o se hace un vestido con ella. Eso es llevar a Cuba" señala Santos Cabrera. 

© Kaloian Santos Cabrera


miércoles, 18 de septiembre de 2013

Dos inconformistas ingleses: Tony Ray-Jones y Martin Parr

En 1970, Martin Parr que entonces, estudiaba en la Escuela Politécnica de Manchester, descubrió la obra de Tony Ray-Jones y se dijo a sí mismo: “yo quiero retratar mi país con la misma cercanía que muestran sus fotos. Ray-Jones me mostró que era posible”.


1967 © Tony Ray-Jones

1967  © Tony Ray-Jones

Un tiempo después, Ray-Jones fallecía de leucemia con sólo 30 años, dejando  un corto pero prolífico legado y, lo más importante: su obra fue un punto de inflexión en la fotografía documental inglesa que dura hasta nuestros días.


 © Tony Ray-Jones


1967  © Tony Ray-Jones

A sabiendas de ello, en 1974 Martin Parr comenzó a trabajar en un proyecto directamente estimulado por la obra de Ray-Jones. El proyecto se tituló Non-Conformists (Inconformistas).

 1975 © Martin Parr

 Un trabajo en blanco y negro que realizó Parr en distintos poblados de Calder Valley (Inglaterra) durante  5 años documentando una vida tradicional que estaba a punto de desaparecer. Este proyecto se presentó en algunas galerías londinenses en 1981 y por lo tanto bastante desconocido hasta el día de hoy.
Y ese día finalmente ha llegado para Parr y también para Ray-Jones por dos razones. 

1   )  El 21 de septiembre próximo se abrirán las puertas de Media Space, una nueva galería londinense perteneciente al Science Museum Group,  para presentar una gran exposición de estos dos grandes fotógrafos ingleses:  Only in England.




El objetivo de los organizadores es que la exposición explore la relación entre estos dos fotógrafos en su fascinación por todo lo que es “made in England”.

1976© Martin Parr




La expo promete muchas novedades interesantes. En primero lugar, se exhibirán más de 100 fotografías de Ray.Jones (muchas de ellas poco conocidas desde 1966 a 1969)  previamente seleccionadas por Greg Hobson y por el mismísimo Parr entre unos 2.700 negativos que posee el archivo del National Media Museum.
Además, se mostrará el proyecto de Parr: Non-Conformist  que también promete.







2   ) Y como no podía ser de otra manera, Non-Conformist estará en las librerías en octubre próximo. 
    
    


Publicado por Aperture, el libro contendrá 90 imágenes con textos de su esposa, Susie Parr.



Hasta el viernes!!

lunes, 16 de septiembre de 2013

Lugares sin alma

Siempre me han gustado esos trabajos que versan sobre lugares de tránsito o lugares intermedios que tan bien los retrata Edward Hopper en sus pinturas o aquellos espacios de anonimatos como los describe el antropólogo Marc Augé en su libro, Los no Lugares.
Esos espacios donde la ciudad pierde su nombre, son lugares que al fotógrafo Robert Harding Pittman siempre le han interesado.  Fruto de un trabajo que lo llevó por distintos países del mundo a lo largo de 10 años, Pittman publicó en diciembre del año pasado Anonymization (Kehrer Verlago, 2012).




Este libro de 120 páginas reproduce fotografías sobre construcciones masivas de viviendas, macrourbanizaciones, centros comerciales, carreteras y aparcamientos en un entretejido urbano de similitudes a nivel global.

Benidorm, España © Robert Harding Pittman

Las Vegas, EEUU © Robert Harding Pittman

Pittman lleva su cámara a lugares lejanos entre sí: España, Emiratos Árabes, Francia, Grecia, Estados Unidos o Corea del Sur pero que poseen paisajes urbanos que se parecen mucho y no es posible determinar si pertenece a un lugar determinado, salvo si se le pone un épigrafe a la fotografía.

Estacionamiento de Ikea, Roissy, Francia © Robert Harding Pittman


Dubai © Robert Harding Pittman


El fotógrafo se inspiró para realizar este trabajo, en el estilo de expansión urbana de Los Angeles. Desde entonces ha estado viajando por distintos lugares del mundo fotografiando la “urbanización estilo LA” y, de alguna manera, este libro está retratando el estilo de vida del hombre del siglo XXI.


Hace unos meses, se realizó una expo de Anonymization en Madrid (Casa Encendida, Fundación Especial Caja Madrid) y, en ese sentido, quiero compartir un video donde Pittman comenta, con un castellano bastante bueno, detalles de este muy interesante trabajo. 





Hasta el miércoles!!

viernes, 13 de septiembre de 2013

Tokio y los colores de la Bauhaus

Hace un tiempo atrás, en la librería del Visa pour l’image de Perpignan descubrí un libro que me sorprendió gratamente y paso a contarles las novedades de este encuentro fortuito.   
Me refiero a un muy enigmático e interesante libro titulado Tokyo y el autor es el prestigioso fotógrafo francés Samuel Bollendorff (Democratic Book, 2011).



Apenas lo hojeé, lo encontré interesante como documento social contemporáneo  y diferente a nivel estético. 

Tokyo © Samuel Bollendorff


 En ese sentido, me llamó la atención el intenso cromatismo de las instantáneas callejeras que hizo sobre Tokio, a mitad de camino del color utilizado por las antiguas polaroids y estridentes colores primarios.

Tokyo © Samuel Bollendorff


Luego leí el prólogo y todo encajó. Allí se contaba que Bollendorff se inspiró para realizar este trabajo en una serie de conferencias realizadas por el pintor ruso Vasili Kandinsky, sobre el uso de los colores en la Escuela de la Bauhaus.


Tokio © Samuel Bollendorff



“Se trata de encontrar en la vida diaria de Tokio las normas de tensión y códigos cromáticos que el pintor enseñó a sus estudiantes. Cada línea es una tensión, cada color afirma su dinamismo y su armonía general constituye el argumento estético” señala Bollendorff que realizó este trabajo en el 2002.

Tokio © Samuel Bollendorff

El fotógrafo se refiere a las conferencias que dio el pintor de sus teorías del color durante su gira por universidades norteamericanas en la década del ’20 recopiladas, en parte,  en su libro De lo espiritual en el arte

En el cual, Kandinsky analiza con un sistema científico, los elementos pictóricos básicos: el punto, la línea y la superficie. El pintor sostiene que la creación no se efectúa de ningún modo con una arbitrariedad absoluta sino que se representa como un juego formal libre dentro de reglas estrictas.

Una conclusión importante a que llegó Kandinsky es que determinados colores  intensifican su efecto mediante determinadas formas. En sus clases, los alumnos atribuyeron el amarillo al triángulo, el rojo al cuadrado y el azul al círculo. 

Un abrazo grande y buen fin de semana!

miércoles, 11 de septiembre de 2013

Nóstos: un especial regreso a casa

Nóstos  ( νόστος) es una palabra griega que significa algo así como un  “regreso a casa después de un largo viaje”. De esa palabra derivo nuestro vocablo: nostalgia.

© Navia

Navia también volvió de un largo viaje un tanto onírico, especial . Y volvió con una maleta repleta de fotografías encontradas, deseadas.  “Es en cierto modo una reflexión acerca de ese viaje especial que es la propia vida, y más si cabe para los que somos viajeros por oficio y devoción” señala el gran fotógrafo español.



Y parte de todo ese trabajo titulado: Nóstos será publicado en formato libro por Ediciones Anómalas el próximo octubre.

© Navia


Ahora  me gustaría que el propio Navia hable de todo esto a través de un video donde el fotógrafo explica el génesis de su nuevo libro de fotografías.




Recuerden, que si hacen la reserva durante este mes, tendrán un pequeño descuento con respecto al precio final de la compra del libro. Hasta el viernes!!

lunes, 9 de septiembre de 2013

Dulce sabor amargo de Goya en la fotografía

 Los claroscuros, iluminación, penumbras, colores fuertes siempre fueron características inherentes a la cultura latina.  Los países del sur de Europa y de América del Sur especialmente Brasil, gozan de estas peculiaridades estéticas y los fotógrafos no pueden desembarazarse de esta cuestión tan familiar, tan pictórica.
Desde hace siglos la pintura de estas geografías mostraban todo ello. Ejemplos sobran. Grandes maestros como Caravaggio o Giovanni Baglione en Italia; Goya o Surbarán en España reflejaron en sus cuadros esos contrastes fuertes entre volúmenes y elementos urbanos. No se puede hablar de cultura latina sin la presencia de todo ello con el protagonismo excluyente de la luz.


En 1985 el Fondo de Cultura Económica de México publicó Dulce Sudor Amargo de Miguel Rio Branco y pronto se convirtió en un referente ineludible de la fotografía latinoamericana de los últimos años. Un claro ejemplo del uso del claroscuro que recuerda a Goya según las propias palabras del fotógrafo.


© Rio Branco

“Este libro es muy cercano a Goya, es verdad, la serie más atractiva para mi es la de las prostitutas. Son colores del exterior de Salvador, tan especiales, con momentos de luz absolutamente fascinantes” señala Rio Branco  en una entrevista con Tereza Siza publicada por La Fábrica (2002).

© Rio Branco

Rio Branco montó este libro (hoy en día inhallable) con textos de Jean Yves Cousseau. El fotógrafo (él se considera a sí mismo pintor ) tenía en esos momentos una especial fascinación por la imagen fotográfica como documento y como expresión estética. “Quería presentar a las prostitutas en su lado más duro sin dejar de manifestar cierta sensualidad”.

© Rio Branco

“En Dulce Sudor Amargo los temas fueron para mí el dolor y el placer” señala Rio Branco.


© Rio Branco

“Desde el comienzo – comenta el fotógrafo nacido  en Las Palmas de Gran Canaria en 1946 – siempre he relacionado pintura con fotografía. El dibujo encontrándose con el collage. La fotografía encontrándose con el cine. La música con la poesía. La poesía con el montaje. Todos estos encuentros son parte de muchos cruces en el camino de la comprensión y expresión de mi mismo en relación con el mundo”.

© Rio Branco

Aunque parezca mentira, este libro tuvo una distribución muy limitada y pocas personas tienen la suerte de poseer un ejemplar. “Me gustaría ver este libro “casi inédito” reeditado y, claro está, un poco mejor divulgados. A veces parece que no existe” señala Rio Branco en otro apartado del pequeño libro publicado por La Fábrica.

© Rio Branco

Y para condimentar todo ello, deseo compartir un cortometraje que realizó el autor en el corazón del Salvador,  en Pelourinho  que durante aquellos años ( se filmó a mediados de los ’80 del siglo pasado) estaba casi deshabitado y por supuesto, era el burdel de esa ciudad.



Hasta el miércoles!