Miradas Cómplices constituye un laboratorio de ideas, de reflexiones fotográficas e imágenes que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

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lunes, 22 de enero de 2018

Imágenes que detienen el tiempo

Siempre que hablamos de pioneros de la fotografía documental a color, nos referimos al American New Color (Eggleston, Meyerowitz, Walker, Shore y otros). Y eso es faltar a toda la verdad. En ese sentido me gustaría hacer una honorable mención: Luigi Ghirri.
Poco conocido fuera de Italia y contemporáneo a estos ilustres fotógrafos americanos, Ghirri publicó en 1978: Kodachrome, un libro de referencia en la fotografía contemporánea.


(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

"Ghirri produjo fotografías en color en un momento en que las imágenes a color se asociaban en gran medida con los medios de comunicación: anuncios publicitarios, valles publicitarias, revistas y periódicos. Sus yuxtaposiciones a lo largo de Kodachrome provocan preguntas sobre cómo consumimos imágenes" señala Allie Haeusslein, directora de la prestigiosa galería Pier 24 Photography de San Francisco.


(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

Uno de los puntos que más me atrae a simple vista del libro es su estética de colores suaves, pasteles; alejada de los colores fuertes y saturados de sus contemporáneos americanos.
Luego, en una mirada más atenta, descubro gratamente que las fotografías de este trabajo están unidas sólo por cuestiones estrictamente visuales. El autor busca "rimas" de cada "verso / imagen" que unido a la estética, lo hacen claramente poético.


(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

Kodachrome te invita a verlo, una y otra vez, con tranquilidad y en donde siempre descubrís algo nuevo, una sugerencia nueva. En otras palabras, no cansa, no se agota en una sola ojeada.
Este trabajo tiene para mi, una cierta carga atemporal y hasta metafísica de los entornos cotidianos. Ghirri reconoció tener una gran influencia en pintores metafísicos como De Chirico y Morandi.


(c) Luigi Ghirri. doble página de Kodachrome (1978)

"Las imágenes de Ghirri son tranquilas y misteriosas, un poco fuera de su alcance, como sus libros. Su constelación de temas favoritos es distinta: mapas, paisajes, ventanas, naturaleza muerta, interiores, niebla, el mar, los objetos en los estudios de los artistas, gente oscurecida de alguna manera. Y muchas imágenes que ponen a prueva la división entre el mundo y una imagen del mundo (murales, miniaturas, postales), a menudo con un brillo irónico. Sientes que en cada imagen hay más de lo que parece, pero la sensación permanece sin resolver" señala el critico de Lens,  Teju Cole.

hasta pronto!



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miércoles, 17 de enero de 2018

El caos y el orden en Pinkhassov

Hace poco me llegó a casa un pequeño libro: Une promenade à la Défense con fotografías de Gueorgui Pinkhassov. Un libro dificil de conseguir y bastante desconocido de su trabajo (creo que realizado por encargo editorial). Y que me parece bastante ilustrativo para hablar un poco,  en este post,  del fenómeno del caos  en las grandes ciudades contemporáneas visto por un fotógrafo.


(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Si Lee Friedlander me pareció el fotógrafo más modernista de su generación; Pinkhassov sería su alumno más aventajado. Su forma de observar, como es el caso de este trabajo realizado en la Défense de Paris, me parece un punto de inflexión en la forma de observar las ciudades e inauguró una gran tendencia en la fotografía de calle contemporánea.


(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Ya lo habían adelantado a principios de siglo Theo van Doesburg con su modelo de la contracomposición (las diagonales dominan el espectro de las ciudades) y luego la escuela de la New Bauhaus (con Harry Callahan, Aaron Siskind y Ray Metzker a la cabeza).
Sin embargo, Pinkhassov va un poco más allá ya que sus imágenes describen el desorden y la incertidumbre de una manera, digamos, más acorde a los tiempos que corren y, a su vez, cotidiana.


(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992


Las fotografías de este trabajo me transmiten la sensación que las formas del caos se corresponden al desorden, imprevisión, individualidad; pero también transitoriedad y fluidez de la vida cotidiana en un contexto de perfección, orden y control de la espera pública como es el caso de este barrio emblemático del Paris contemporáneo.


(c) Gueorgui Pinkhassov. Défense, Paris, 1992

Un trabajo muy recomendable , con una composición invadida por diagonales y asimetrías, que explora otras lógicas de aproximación al fenómeno del caos de la arquitectura contemporánea.
Hasta pronto!


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lunes, 15 de enero de 2018

Ser fotógrafo


 “Para ser fotógrafo hay que moverse. Las líneas maestras de nuestro recorrido son el cambio del punto de observación, trasladándose de un lugar a otro, la elección de un nuevo tema y el mantenimiento de nuestra propia arrogancia, que nos impulsa a creer que podemos observar de un modo diferente a los demás” señala Dennis Stock.


(c) Dennis Stock. Provence, France 1980


“Ser fotógrafo implica el placer de la mirada. - sugiere Marc Riboud -  Ver no es fácil; exige preparación e incluso cierto valor que no siempre se tiene. No obstante, hay momentos de gracia en los que la mirada, cuando se encuentra en las mejores condiciones, tiene el verdadero poder de <ver>”


(c) Marc Riboud. Beijing 1965


Por otro lado, para Alex Majoli “el fotógrafo es como un samurái que lleva a cabo gestos y movimientos rituales para desarrollar su técnica y su instinto. Caminar, esperar, escuchar…Caminar, como ejercicio de la mirada. Esperar, aunque se dude del resultado. Esperar, porque la espera forma parte de la determinación. La determinación, aplicada a la fotografía, hace crecer nuestro conocimiento de los sujetos observados y también de nosotros mismos” 


(c) Alex Majoli. Albania, 1997



“El papel del fotógrafo consiste en invadir la existencia de los otros, en utilizar a la gente. - comenta Richard KalvarUn fotógrafo es un voyeur, y el voyeurismo ejercido sin el consentimiento ajeno es probablemente una forma de violencia. Para hacer bien su trabajo, un fotógrafo debe olvidar esta constante a fin de que la violencia de su gesto pierda importancia” .


(c) Richard Kalvar.
Hasta pronto!


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miércoles, 10 de enero de 2018

Territorio e identidad nocturna

(c) Vincent Van Gogh. Arlés 1888
Vincent Van Gogh siempre se sintió atraído por las luces nocturnas. Intentó plasmar, de una manera magistral, con singular impresionismo las distintas temperaturas de color que ofrecía la noche. La agitación nocturna le ofrecía una caleidoscópica visión, muy propia de la creatividad del holandés; y nos descubrió una impresión como soñada de un espacio público rodeado de siluetas extrañas, reflejos bucólicos y lo más importante: profundidad de campo a través del juego vertiginoso de colores cálidos y fríos.
Esa esencia impresionista de Van Gogh no sólo resultó atractiva para muchos fotógrafos que encontraron la noche y el color a dos aliados contundentes de potencia visual. También estimuló a reflexionar sobre las historias que pasan en los espacios públicos que sólo ocurren cuando llega la noche y ese doble juego resultó muy tentador.


Las luces cambian, caliente o fría, chocando bellamente en una combinación de temperaturas de color” sugiere Patrick Sachmann con respecto a su proyecto Un Jour, La Nuit. 


(c) Patrick Sachmann. Paris, 2005


“Esta serie también está influenciada por ideas de territorio e identidad: una identidad nocturna que se sitúa en la fugacidad, en la calidad fugaz del momento”.

Por otro lado, esa búsqueda de impresionismo nocturno le viene al dedillo a Gueorgui Pinkhassov para explorar la dramática historia de los indocumentados y refugiados ilegales que sobreviven en las afueras de Paris.



(c) Gueorgui Pinkhassov. Paris, 2016


Desde atrás de las ventanas de los autobuses, y con la noche como protagonista,  Carlos Prieto descubrió, a través de este proyecto,  una Barcelona muy diferente a la ciudad que todos estamos acostumbrados a ver, lejos de los estereotipos,  entre juegos de neones, peatones y colores.


20170213
(c) Carlos Prieto. Barcelona, 2017

Hasta pronto!


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lunes, 8 de enero de 2018

El fotógrafo y su identidad fotográfica


“Yo no decido la lectura que hay que hacer de mis fotografías. Cuanto más ambigua es la foto, mejor es. De otro modo, sería propaganda” señala Leonard Freed.


(c) Leonard Freed. Amsterdam, 1964

Me gusta evocar la idea de hilo conductor de estos lugares invisibles relacionando a los personajes entre sí y con su ambiente: gestos interrumpidos, roces, contactos….Todo eso me fascina. La realidad es mi partitura, y a partir de ella mi mirada improvisa” comenta Guy Le Querrec.


(c) Guy Le Querrec. Francia 1973


“En la relación que mantengo con la escritura – señala Patrick Zachmann – así como en la utilización que hago de los diferentes formatos fotográficos, existe un reconocimiento y una aceptación de los límites de la fotografía. Algunos fotógrafos se contentan con la propia fuerza de la fotografía. A mi esto no me basta. Deseo expresar cosas con las imágenes, pero también introducir lo que está fuera del campo focal, es decir, lo que no he sabido o no he podido fotografiar. La fotografía no lo dice todo”.


 (c) Patrick Sachmann. Budapest, 2004


Un joven fotógrafo – dice Raymond Depardon – debe tener consciencia y valor para fotografiar su vida. Es una obligación muy dura porque lo acusarán de ocuparse sólo de si mismo, pero creo que, cuando de habla de uno, se habla también de nosotros”.


(c) Raymond Depardon. Glasgow, 1980


En este sentido, Paolo Pelegrini apunta que “hacer fotos consiste no sólo en ser testigo de una serie de hechos, sino también en filtrarlos a través de la experiencia personal. Suele interesarme más la fotografía <inacabada>: una imagen alusiva, capaz de provocar diálogos y conversaciones. Existen fotografías cerradas, acabadas, que nos prohíben hacer nuevos viajes”.


(c) Paolo Pelegrin. Ciudad Juarez 2011


Hasta pronto!



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sábado, 23 de diciembre de 2017

Miradas Cómplices les desea Felices Fiestas!

Me gustaría desearles a todos los amigos cómplices de este blog, unas felices fiestas y un comienzo de año lleno de nuevas energías y fundamentalmente llena de sueños....esos que nos ayudan a vivir...
Además, deseo compartir un poema del poeta argentino Oliverio Girondo que engloba mi agradecimiento por tantos años que me acompañan en este humilde blog y se llama justamente GRATITUD.

Gracias aroma
azul, 
fogata
encelo.

Gracias pelo
caballo
mandarino.

Gracias pudor
turquesa
embrujo
vela,
llamarada
quietud
azar
delirios.

Gracias a los racimos
a la tarde
a la sed
al fervor
a las arrugas,
al silencio
a los senos
a la noche,
a la danza
a la lumbre
a la espesura.


Muchas gracias al humo
a los microbios,
al despertar
al cuerno
a la belleza
a la esponja
a la duda
a la semilla,
a la sangre
a los toros
a la siesta

Gracias por la ebriedad
por la vagancia
por el aire
la piel
las alamedas,
por el absurdo de hoy
y de mañana,
desazón
avidez
calma
alegría, 
nostalgia
desamor
ceniza
llanto.

Gracias a lo que nace,
a lo que muere,
a las uñas
las alas
las hormigas,
los reflejos
el viento
la rompiente, 
el olvido
los granos
la locura.

Muchas gracias gusano,
Gracias huevo.
Gracias fango,
sonido.
Gracias piedra.
Muchas gracias por todo.





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viernes, 22 de diciembre de 2017

“Tenia las imágenes más aburridas del mundo”


Desde hace más de 50 años que Lee Friedlander hace fotos y, en ese sentido, su carrera fotográfica es monumental, prolífica y cuenta con muchos libros publicados. Sin embargo, nunca expuso ni publicó ninguna fotografía de India, país que visitó en varias ocasiones. Con una sola excepción: un extraordinario retrato de su amigo Ragubhir Singh en pleno trabajo.


(c) Lee Friedlander. Raghubir Singh en acción. 1985

La pregunta es la siguiente: ¿porqué Friedlander nunca publicó ninguna fotografía de India a pesar que, según testigos como Singh, disfrutó mucho de sus estadías?
El mismo Friedlander se encargó de responder de forma tajante, esta pregunta un tanto difícil de aceptar por cualquier fotógrafo fascinado por la cultura india como el americano. "Mi problema en la India fue que todo se veía maravilloso todo el tiempo, pero cuando llegué a casa y desarrollé la película descubrí que tenía las imágenes más aburridas del mundo".


(c) Anne de Henning. Singh y Friedlander. Jodhpur, Rajasthan, 1988

Singh y Friedlander  fueron grandes amigos y el fotógrafo indio nunca disimuló el gran respeto que le tenía a su trabajo y lo consideraba “el gran maestro modernista contemporáneo”: La influencia de Friedlander se puede apreciar en esas imágenes con yuxtaposición de reflejos y marcos dentro de marcos.



(c) Raghubir Singh. Howrah, 1991



Friedlander fue a la India, invitado por Singh, en 1985 y en 1988 y juntos lo recorrieron desde Rajhastán a Calcuta en el extremo este. En una oportunidad, Singh contó que su amigo estadounidense prefería la “vida intensa y algunas veces herida” de la calcinada Calcuta a la belleza romántica de Rajhastán. Según el fotógrafo indio, la fascinación de Friedlander por la abyección traicionó su cosmovisión modernista occidental. “Mi tema nunca es la belleza como se ve en la abyección” señaló en el prólogo de River of Colour. “"sino la letra inherente a la vida de la India: el alto rango de la coloratura de la vida cotidiana. Esas notas deliciosas, esas notas altas y bajas, no existen en el mundo occidental".


(c) Raghubir Singh. Rajhastán, 1974
Hasta pronto!


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