Miradas Cómplices constituye un laboratorio de ideas, de reflexiones fotográficas e imágenes que, quizás, encuentren vuestra complicidad.

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lunes, 27 de junio de 2016

Junto al color de trópico

Hoy me gustaría compartir con ustedes un video con una selección de imágenes que realizaron  los participantes al taller que impartí en Cuba;  que condensa un poco la emoción de lo vivido en la isla:  un imán para cualquier fotógrafo que guste del "color de trópico" y de la calidez humana de su pueblo.

Centro Habana, La Habana © Marcelo Caballero

En primer lugar, deseo dar las gracias a Nuria Tolós por su generosa contribución en el ensamble final del audiovisual que será proyectado en julio en la prestigiosa Fábrica de Arte Cubano de La Habana.
Y en segundo lugar a los magníficos fotógrafos que me acompañaron en este taller,  a la organización de AES Tour y a los fotógrafos de la Escuela de Fotografía Creativa de La Habana. 


La Habana from Marcelo Caballero on Vimeo.

Hasta pronto!


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miércoles, 22 de junio de 2016

La deconstrucción pública


Una de las cosas que más mérito tiene del trabajo de años de algunos fotógrafos urbanos comprometidos con su entorno es documentar, a través de sus imágenes, como se  transforman los espacios públicos.
Esa magna tarea documental, muchas veces ingrata y no valorada, cobra sentido a medida que pasan los años y los discursos de época comienzan a fluir en las imágenes,  sin necesidad de recrearlo con palabras: un  bar convertido en peluquería, un cine transformado en iglesia o una casa de época transformada en banco. De esa manera, la urbe se metamorfosea en un ser vivo que cambia, que se desarrolla, que muere y las fotografías callejeras toman un valor documental excepcional.


Robson Street, Vancouver 1957 © Fred Herzog                                Robson Street, Vancouver   2014 © Fred Herzog


Me gustaría contarles la deconstrucción pública que realizó el fotógrafo chileno Camilo José Vergara en Harlem, vecindad que frecuentó durante más de 40 años.
Inspirado en la tradición de grandes pioneros de la fotografía urbana como Helen Levitt y Aaron Siskind comenzó a documentar la vida de sus calles;  con tanta obsesión,  que volvía varias veces durante décadas. De esa manera, Vergara se convirtió en un verdadero especialista en deconstruir los espacios públicos de Harlem y lo hizo, también, en muchos lugares de Estados Unidos a lo largo de los años.

Así,  nació una serie titulada “65 East 125th Street Harlem, New York” 

Dicha serie comenzó en 1977

siguió en los '80 del siglo pasado


En los '90 gradualmente fue cambiando



hasta la actualidad, transformada en un local religioso.



La serie la terminó en el 2014. Aunque la última palabra aún no está dicha.

Hasta pronto!


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lunes, 20 de junio de 2016

La noción del tiempo


 A propósito de un libro que adquirí hace poco: La Pell de Catalunya;  en donde se mezclan,  con audacia e inteligencia,  fotografías a color de Oriol Alamany y, blanco y negro de Kim Manresa;  me llevan a reflexionar otras cosas sobre esta vieja entelequia que ha marcado la historia visual de la fotografía.


página del libro La Pell de Catalunya ( La Magrana / National Geographic 2007)

A muchos entusiastas les sigue creando problemas e interrogantes a la hora de decidirse por uno o por el otro. ¿qué lenguaje cromático elijo a la hora de hacer un trabajo fotográfico?; ¿por qué decido que la fotografía tiene que ser en blanco y negro o en color luego en la edición?.


página del libro La Pell de Catalunya ( La Magrana / National Geographic 2007)

En lo particular, y lo digo como un colorista convencido, trabajar con uno o con el otro, se debe decidir a priori, en la previa a un proyecto, de esa manera uno se vuelca en el trabajo con la plena seguridad de observar el entorno con total libertad creativa.
Si en Henri Cartier Bresson, un convencido monocromático, es una cuestión de geometrías y de captura del momento;  para Gueorgui Pinkhassov, otro convencido colorista como yo, cree que el juego y los matices de la luz son los elementos que le interesa transmitir. Dos formas antagónicas de hacer fotografías sobre, por ejemplo, París.


© Henri Cartier Bresson                                                                            © Gueorgui Pinkhassov

Ya hablé largo y tendido sobre estos temas en un post de Miradas Cómplices,  el mes pasado. Pero ahora quiero referirme brevemente a la noción del tiempo,  que el libro Pell de Catalunya me hace reflexionar.
Y todo esto lo digo en un momento, el actual, marcado por el uso del color digital;  y que no es secundario pensar en una reactualización de imágenes en blanco y negro que sigue manteniendo intacto su papel “más artístico” y que pregonan muchas escuelas de fotografía.
La noción del tiempo y según que elección de color hago, lo expreso de una manera diferente. Vamos a los ejemplos del libro mencionado.
Para mi, las fotografías en blanco y negro trabajan, en este caso con una  noción marcada de “pasado” ; en cambio, con el color se expresa la “cercanía”, el presente.


página del libro La Pell de Catalunya ( La Magrana / National Geographic 2007)

En ese sentido y para hilar más fino, el blanco y negro me transmite una “atemporalidad latente” frente a la cercanía del futuro en el color.


página del libro La Pell de Catalunya ( La Magrana / National Geographic 2007)

Así, las fotografías de Manresa me llevan con más fuerza a pensar en algo lejano; en cambio, las de Alamany me plantean la lejanía como algo presente gracias al juego de luces mediterráneas, una característica de siempre que la puedo disfrutar ahora en esa región.


página del libro La Pell de Catalunya ( La Magrana / National Geographic 2007)

Más adelante, hablaremos de otros matices en esta eterna rivalidad entre los dos lenguajes. Hasta pronto!!


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miércoles, 15 de junio de 2016

El misterio en la aparente simplicidad


Cuando hablo del misterio de una fotografía no me refiero a cuestiones delictivas o ligadas al terror. El misterio al que me refiero va mucho más allá, por suerte...


New York 1961 © Charles Harbutt

Me gusta ese misterio del porqué me atrapa tanto tiempo una imagen e intento averiguar una y otra vez que es lo que verdaderamente está sucediendo en esa fotografía.


Las Vegas, Nevada 1997 © Jeff Jacobson

Y más, si esa imagen parece tener todo claro, aparentemente. 


© Trent Parke


Podría decir que el misterio se asocia con lo inexplicable y, en muchos casos, son fotografías que no salen de un plan preconcebido.


Valparaíso © Sergio Larraín

Cuando el fotógrafo se deja llevar por el momento, en esa singularidad, aparece algún “error visual” que desemboca en ese misterio que tanto me gusta y que no siempre se encuentra. 


© Lee Friedlander


Soy un convencido que el tiempo redefine la verdadera dimensión del misterio de una fotografía y corre paralelo a lo que el fotógrafo se propuso originalmente.


© Sylvia Plachy


Me atrae lo que nunca se ha visto o cuesta creer que en ese lugar pueda suceder algo así.


New York 1997 © Richard Kavar

 Lo inexplicable en clave humor puede ser un camino aunque más dificil ya que, en general,  fotografías con toque cómico envejecen rápido.


© Tony Ray Jones

Ese delicado momento entre lo que acaba de ocurrir o va a suceder también me seduce y posee esa lectura de misterio que tanto me atrapa.


© Michael Ackerman

“En la fotografía siempre hay un misterio: miramos y somos mirados por ellas. Es algo dialéctico” comenta el fotógrafo argentino Andy Goldstein. “Por otro lado, desarmar la “cara de foto” es la parte más misteriosa que puede haber entre un artista y su obra, es la parte más difícil de poner en acto”. 


© Cristobal Hara

Quizás es allí donde empieza el auténtico disfrute de la fotografía.

 Hasta pronto!


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miércoles, 8 de junio de 2016

El pulso de la vida urbana

Desde que aparecieron, las cámaras de pequeños formatos, a principios del siglo XX,   con películas suficientemente sensibles como para poder fotografíar en espacios oscuros o con poca luz; los fotógrafos no dudaron en dirigir sus miradas a los bares.


Nueva York 1929 © Walker Evans

El bar mide el pulso de la vida urbana.


Roma 1984 © Thomas Hoepker 

Ilustran el espíritu urbano. Allí se respira la alegría y la tristeza de la gente. También el chusmerío.


Paris 1967 © Herni Cartier Bresson


En grandes ciudades, por citar algunas,  como Nueva York, Londres, París, Madrid o Dublin, los bares son un popular fenómeno social que ha marcado la cultura y las costumbres de numerosas generaciones.


 Paris 1958 © Dennis Stock

Madrid © Luis Baylón


Y hablo de bares de una forma genérica como un espacio público multifuncional, heterogéneo en donde no sólo se beben copas, se come, se toma café o simplemente se pasa el tiempo en compañía o solo.


París 1978 © Michel Maïofiss 

En ese sentido,  Edward Hopper los utilizó para plasmar en sus pinturas,  la soledad, la incomunicación entre las personas.


Trasnochadores 1942 © Edward Hopper

© Edward Hopper

Con el estímulo hopperiano, Diane Arbus también solía ir “de copas” con su cámara.


New York 1962 © Diane Arbus

Los bares constituyen espacios de dispersión en donde la fantasía y la realidad van de la mano. Son lugares difíciles de olvidar si tienen magia.


Paris 1955 © Willy Ronis

Paris 1978 © Bernard Plossu


Los bares pueden ser lugares donde se manifiesta la crisis de una ciudad. De  eso sabe mucho, Anders Petersen con la particular gente del Café Lehmitz de Hamburgo.


© Anders Petersen

 Petersen pasó mucho tiempo allí entre prostitutas, borrachos, gente de paso y lo veían como uno más de ese surrealista bar.


© Anders Petersen


“Es una forma agresiva de trabajar – señala Eve Arnold - porque quieres ir tan profundamente como puedas, si se tiene cuidado con la gente, ellos te ofrecerán parte de sí mismos”


La Habana 1954 © Eve Arnold

Una vez, en una entrada de un bar - restaurante en Sevilla encontré escrita en la pared una frase que resume el espíritu popular de un bar y de paso, cierro la nota. 

© Marcelo Caballero

Hasta pronto!


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lunes, 6 de junio de 2016

Lugares donde no ocurre nada


Siempre me han gustado esos lugares donde parece que no ocurre nada. Espacios ajenos al ajetreo mundano, donde normalmente la gente no posa la mirada, lugares de tránsito que uno jamás recordaría haber pasado ni siquiera a través de una imagen.


© Lee Friedlander

Son como espacios no valorizados en donde, sin embargo, brotan ciertas fantasías o doy rienda suelta a la imaginación.


© Martin Kollar

Lugares donde hipotéticamente ha pasado tangencialmente alguna historia;  como si se tratara de la estela de un cometa o de su leyenda.


© Robert Adams

O donde seres anónimos depositaron alguna vez sus ilusiones, donde hablaron sobre sus problemas existenciales en esa rutina diaria que nos toca vivir.


© Boris Savelev

Siempre me quedo un rato, observando inmóvil, aquellos escaparates desiertos y me imagino la película del ajetreo diario comercial de gente y más gente,  anécdotas vitales secuestradas por el tiempo y el olvido.


© Sthepen Shore

Lugares que me transmiten la ausencia de actividad o de cosas y pienso en un paraíso perdido y allí radica, para mi,  el encanto decadente del lugar donde no ocurre nada.


© Navia

“Se podría hablar, por una parte,  de itinerarios, de ejes o de caminos que conducen de un lugar a otro y han sido trazados por los hombres” comenta Marc Augé en su libro Los no lugares, espacios del anonimato.


© Marcelo Caballero

“Por otra parte, - prosigue Augé -  de encrucijadas y de lugares donde los hombres se cruzan, se encuentran y se reúnen, que fueron diseñados a veces con enormes proporciones”.


© Robert Frank
Hasta pronto!


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miércoles, 1 de junio de 2016

La contracomposición del encuadre

Desde hace un buen tiempo, estoy preocupado por las distintas posibilidades compositivas que brinda el rectángulo de la cámara. Son esos aspectos formales que pueden ayudar a encontrar otras variantes y así potenciar el impacto visual y la coherencia narrativa de la serie o el proyecto fotográfico. Un lugar idóneo para hacerlo son los talleres intensivos y allí hablamos mucho con los participantes de las diferentes posibilidades de composición.
Últimamente intento reflexionar sobre el uso adecuado de diagonales para dinamizar espacios. Hemos hablado de encuadrar a partir de los bordes, de triángulos, de diferentes usos de planos. Y ahora podemos incluir a los esquemas formales de composición a los ordenados en zigzag que el arquitecto y teórico holandés Theo Van Doesburg había llamado contracomposiciones.



La pintura de Van Doesburg rompe con la asimetría y ritmo de Piet Mondrian e ilustra perfectamente esas posibilidades abiertas por la dirección diagonal, planos inclinados y la inclusión de colores primarios y complementarios. 





Un buen juego de seducción para la nueva composición y que estimuló al expresionismo abstracto en los años '50 del siglo pasado y de la que se beneficiaron fotógrafos coloristas como Ernst Haas.


Nueva York 1953 © Ernst Haas


Nueva York años '70 © Ernst Haas

El uso de contracomposiciones destruye el equilibrio de lo horizontal y vertical produciendo dinamismo y tensión como puede observarse en el trabajo en blanco y negro: Women are Beautiful de Garry Winogrand.


© Garry Wingrand

O en el cromatismo de Gueorgui Pinkhassov.


© Gueorgui Pinkhassov

En la fotografía urbana la tendencia al desorden se acentúa y los centros de atención se multiplican y el uso de diagonales entre colores fuertes y débiles crean una dinámica cromática interesantes.


© Gueorgui Pinkhassov

Sthepen Shore lo utilizó mucho en su proyecto Uncommon Places para acentuar el movimiento de espacios intermedios en donde el movimiento era escaso.


1976 © Sthepen Shore

Algo así ocurre con la fotografía del film de Wim Wenders: Paris Texas.


fotograma del film de Wim Wenders

O en Joel Meyerowitz y su Cape Light (1979).


© Joel Meyerowitz

En todo ello,  el marco desempeña un papel completamente activo en la articulación de las fuerzas  de la contracomposición.
Hasta pronto!




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